Jueves de Juan Orol #2: Géneros Orolianos

Orol en Cabaret Shangai, una de sus obras de cine negro.

La carrera de Orol fue extensa y variada, todos conocen sus películas de mafiosos que tomaban inspiración del cine Noir de Estados Unidos pero Orol tocó varios otros géneros e incluso creó uno que otro. 

El libro "EL CINE DE JUAN OROL" de Eduardo de la Vega Alfaro nos dice que hay siete géneros diferentes a los que Juan Orol se dedicó a trabajar en su carrera desde los 30s hasta los 70s. Después de todo, la gran mayoría de autores suelen elegir ciertos géneros o subgéneros en los que se sienten cómodos y normalmente no se salen de su zona de confort. Un ejemplo es George Romero, quien dentro del cine de terror de zombies pudo abordar ciertos temas de su interés y hacer criticas sociales, aunque no siempre hacía películas de zombies, se sentía cómodo dentro del cine de terror y rara vez salía de esos parajes.

Lo mismo pasaba con Orol, en esta entrada veremos los géneros que degustaba el gran Orol pero voy a modificar lo dicho en el libro mencionado para adaptarlo más bien a una visión personal del cine de Orol, aunque mi influencia más grande sigue siendo el libro de Eduardo de la Vega así que la lista será mayormente fiel a su texto. 

Aquí tenemos a los seis tipos de cine que hizo Juan Orol (según mi perspectiva):  

1-Las tragedias maternales

No hay mejor manera para empezar que con el tipo de película que lo catapultó a la fama. En los tiempos donde el 10 de mayo estuvo consolidándose en la sociedad mexicana como una fecha capital, todos los medios estaban bombardeando al público con su propaganda. Juan Orol, como buen director de explotación, no iba a desaprovechar una oportunidad para ganar dinero con un filme con esa temática. Orol no era ajeno a los melodramas, ya había escrito uno y codirigido otro, pero para su próximo proyecto iba a añadir el elemento de la tragedia maternal, lo que le entregaría su próximo éxito y le daría la confianza para dirigir más películas por su propia cuenta. 

Madre querida fue estrenada el 10 de mayo de 1935. La historia nos adentraba a un drama familiar con una madre enferma, hermanos perdidos, pobreza y hasta un twist ending que le da un nuevo ángulo a la historia ya vista. Desafortunadamente, hasta el día de hoy, Madre querida es muy difícil de encontrar y apenas se puede ver en TV por cable si algún día tienes la suerte de verla listada en la programación de Cine Estelar o Cine Nostalgia. 

Como era de esperarse, Orol no se conformaría con solo un éxito de este tipo y en los años posteriores haría otras obras que tocarían el tema de las madres, algunos ejemplos son Eterna Mártir, El calvario de una esposa y Honrarás a tus padres. 

No solo él quiso explotar el tema, si no que hubo otras producciones que también intentaban retratar el amor que tiene el mexicano por su madre, otros filmes similares de otras casas productoras son: No basta ser madre, Madre a la fuerza, Mi madrecita, Viejo nido, Dulce madre mía, El pecado de una madre y demás, aunque no fueron tan destacables como las de Orol.  

Fotograma de Madre querida (1935)

A pesar de que el furor de las películas sobre madres murió a los pocos años, Orol siguió tocando el tema en otras películas, un ejemplo es Los misterios del hampa, en donde la muerte de la madre del protagonista le sirve de motivación para volverse un despiadado mafioso.

2-Los dramas pasionales

Ejemplo perfecto de los melodramas amorosos del autor.

Los melodramas de amor eran constantes en la carrera de Orol, creo que todas sus películas trataban sobre el amor, el amor entre un hombre y una mujer, aunque claro que con complicaciones y conflictos que a veces terminaban de manera trágica pero mayormente el final era feliz y moralista. 

A pesar de que el amor era un tema que Orol revisita en cada una de sus obras, los dramas pasionales como género fueron cintas como Cruel Destino (la primera de ellas), El amor de mi bohío, Amor Salvaje, Que idiotas son los hombres, El farol de la ventana, La mesera del café del puerto y muchas más. 

El amor y sus conflictos eran temas recurrentes para el autor y no era de extrañarse, pues su vida amorosa fue problemática y de seguro dramática. Orol anduvo con varias mujeres quienes se podrían considerar como sus musas y estos melodramas baratos de seguro estaban influenciados en cierta medida por su vida amorosa. Eduardo de la Vega menciona en su libro que la muerte suele acechar a los amantes Orolianos y que de esta forma Orol daba a entender que alcanzaban una pureza casi mística.

3-Los dramas de época

La película más antigua que se puede encontrar de Orol.

El cine histórico no es necesariamente una constante para Orol pero tiene 3 obras que toman lugar en épocas pasadas de la historia. Una de las primeras películas de Orol que se pueden encontrar en internet es El derecho y el deber, cinta que toma lugar en la era revolucionaria pero las grandes batallas no son el enfoque principal, la cinta trata más bien sobre el drama familiar y las consecuencias de estos conflictos armados en las familias. 

Orol de la revolución.

Siboney fue estrenada en 1940 y fue la primera producción de Orol con María Antonieta Pons, la primera de sus tantas musas rumberas, y toma lugar durante la lucha independentista cubana pero de nuevo se enfoca más en el drama amoroso que en la lucha en sí. 

Finalmente está La tórtola del Ajusco realizada varias décadas después de su última incursión en el cine histórico. Esta película estaba basada en una novela de Julio Sesto y se ambienta durante la época de la revolución mexicana, pero nuevamente se alejaba de presentar la lucha revolucionaria (según testimonios pues pocos han podido verla).

Otra obra difícil de encontrar de Orol.

El hecho de que los eventos históricos no sean de importancia para los personajes principales demuestra que Orol entendía al publico. Varios eventos importantes de la historia suelen ocurrir en un segundo plano apenas afectando nuestras vidas de manera realmente impactante pues el verdadero conflicto está en nuestras vidas cotidianas y los factores externos nos vienen guangos. En un evento histórico la gente normalmente sigue preocupándose por sus problemas inmediatos. Orol sabía que nada es tan identificable como un drama familiar. 

4-Selva y trópico

Aparte del cine negro, mi tipo de cinta Oroliana preferida son las películas que toman lugar en la selva y en el trópico (incluso si no son de Orol, pues cualquier película de serie B que tome lugar en una isla, en una bahía o selva tropical despierta mi curiosidad). 

Era una ambientación ideal para los dramas de amor salvaje y desenfrenado del cineasta (aunque muchas veces la "selva" era un set barato en un estudio). Las locaciones exóticas solo eran superadas por las aún más exóticas mujeres que el director presentaba junto a un protagonista rudo y memorable. 

Rosa Carmina en Sandra, la mujer de fuego.

Orol se incursionó en su saga tropical con Pasiones Tormentosas en 1946 y siguieron Embrujo antillano (Aunque fue solo codirector), Tania la bella salvaje, La diosa de Tahití, Sandra la mujer de fuego, Zonga el ángel diabólico, Thaimí la hija del pescador y termina con Las pasiones infernales (a veces llamada La hija del sol y considerada como una de las peores de su carrera).

Es posible que la más destacable de todas estas sea Zonga, el ángel diabólico (1958) pues Orol se gastó medio millón de pesos en rodarla, lo que la vuelve una super producción para Orol (Aunque sigue siendo un filme ultra barato si se trata de la industria en general) filmada a color, con actores de renombre y un poco más de equipo técnico para darnos una visión Oroliana con menos limitaciones de lo normal. 

El filme tropical más entrañable que he visto.

Zonga fue una adaptación del cómic "Rarotonga" y se ha convertido en una de mis películas favoritas al mezclar una trama sórdida de historieta mexicana con actores talentosos y un director delirante como lo es Orol haciendo un excelente trabajo en entregarnos la experiencia pulp mexicana por excelencia, incluso superando al valor camp de los luchadores o del sci-fi frijolero que también adoro.

Mary Esquivel y Víctor Junco en una de mis películas preferidas.

5-Cine negro (Gángsters y policías)

Este es probablemente el tipo de largometraje que Orol disfrutaba hacer más y se ha convertido en el tipo de filme Oroliano predilecto de muchos. El mundo del hampa del autor usualmente presentaba al mismo Orol interpretando a un gángster (Usualmente el mismo tipo de personaje con otro nombre, da lo mismo si se llama Johnny Carmenta, Tony Carpio, Álvaro Rambal, Tony Florino o Joe Lucina) quien a pesar de ser un criminal capaz y peligroso tiene un lado caballeroso y educado, es un hombre honesto y trabajador arrojado al hampa por el destino, quien suele enamorarse de una mujer exótica. El final de estas películas puede ser trágico o felizmente cursi.

Eduardo de la Vega dice en su libro que el cine gangsteril de Orol está divido en dos fases: La fase formal que va de 1944 a 1955 y la fase nostálgica que va de 1962 a 1972. Pues entre esos tiempos, Orol se dedicó a realizar otro tipo de películas aunque la excepción fue Secretaria Peligrosa de 1958. 

La película más famosa de su época gangster.

La primera fase inicia con Los misterios del hampa en 1944 y sigue con Una mujer de Oriente, El reino de los gángsters, El charro del arrabal, Gángsters contra charros, Cabaret Shangai, Trilogía Percal (la cual mezcla el drama de prostíbulo con el cine negro), El sindicato del crimen, Bajo la influencia del miedo y Secretaria peligrosa. Filmes de cine negro hechos y derechos sobre mafiosos, criminales y policías muy al estilo de Bogart. 

Un Orol ya viejo protagoniza esta obra ultra barata de gangsters en su época de decadencia.

La fase nostálgica comenzó en los 60s con Bajo el manto de la noche, Contrabandistas del Caribe, Antesala de la silla eléctrica, Organización criminal, Historia de un gangster (última película de mafiosos de Orol) y finalmente tenemos El fantástico mundo de los hippies, este fue el último intento por hacer películas policiacas con elementos modernos como la cultura hippie del momento. Este filme también fue el penúltimo largometraje de Orol pues solo volvería a la silla de director para una última película siete años después, y es una adición muy discordante. 

6-Chilli-Western

La última película de Orol se sale por completo de su zona de confort y nos da un western.

Es posible que El tren de la muerte se encuentre entre las últimas películas de autores cinematográficos más desconcertantes que existen pues no encaja con la filmografía de Orol en ningún lado. La única película de Orol que se puede considerar como "western" pudo haber sido El charro del arrabal pero aún así estaríamos estirando mucho la definición de western si lo consideramos como tal. 

El Chilli western es el equivalente mexicano del western, así como existe el Spaghetti western que es hecho en Italia, el Chili western es hecho México y generalmente en lugares como Durango o Zacatecas. Algunas de estas películas mexicanas son obras llenas de violencia cruda del viejo oeste como Cinco mil dólares de recompensa (1972), Las víboras cambian de piel (1974) y obras del rey de este género conocido como Alberto Mariscal quien nos ha deleitado con clásicos como El tunco Maclovio (1968) y Todo por nada (1969).

Afiche italiano de El tunco Maclovio, que no es de Orol pero es un ejemplo perfecto del Chili western por parte de Alberto Mariscal. 

El subgénero del Chili western tuvo su auge en la década de los setenta y se volvieron algunas de las obras más violentas y sanguinarias de su tiempo. Algunas tenían cierto aire moderno y nihilista, ciertamente se alejaban del western antiguo tradicional, con decir que México nos dio el Acid western conocido como El topo (1970), la cual era una exploración espiritual del gran Alejandro Jodorowsky.

El punto era que el cine de Orol era bastante anticuado para ese entonces, el escenario había cambiado y se preferían obras más dinámicas con su acción, con una composición y puesta en escena con más complejidad. Simplemente basta con que se adapten a los nuevos tiempos, algo que Orol no pudo hacer, pues se quedó por allá en los 30s y 40s, sus películas dejaron de complacer al público desde los años 60s (parecido a lo que ocurrió con Jerry Warren después de su retiro). Su encanto pulp y sus bajos presupuestos no podían competir con filmes más grandes hechos por artistas jóvenes como los de la época setentera de México, el cine en esos tiempos era más "sofisticado" e inspirado por el cine europeo. Sin mencionar que la edad de Orol no le hizo muchos favores y también está el hecho de que Hollywood empezaba con sus Blockbusters, los que pronto aplastarían a casi todas las producciones mexicanas. A su vez, se acercaba el cine de ficheras, el cual acabaría con todo vestigio de la vieja era y uno de los dinosaurios que se extinguieron en esa época fue Orol.

Julio Alemán en El tren de la muerte

Juan Orol complacía al público en sus años dorados, les llevaba entretenimiento por medio de sus rumberas, tramas amorosas apasionadas, conflictos armados entre mafiosos y tragedias familiares. Aquí pudimos ver todos y cada uno de los géneros fílmicos que Orol pudo tocar como director. Ahora te toca a ti decidir si quieres ver cine negro cutre al estilo mexicano, parajes selváticos con mujeres hermosas, melodramas románticos pero trágicos, o una adaptación de una revista de historietas de baja categoría.

 Es tu decisión pensar en como adentrarte al cine del mítico Orol. 

Jueves de Juan Orol #1: Introducción a Juan Orol & ¿Quien fue este mitico director?

El infame Orol.

Si se trata de cineastas controversiales y odiados, todos los países tienen a sus candidatos, en Estados Unidos el nombre de Ed Wood ha resonado mucho para mal y a veces para bien. En Alemania tienen a Ulli Lommel y recientemente a Uwe Boll. Chile tiene a los Badilla. En Brasil Conrado Sánchez trabajó en al menos un churro gigante. La lista sigue y sigue. En México hubo varios directores que se han ganado el repudio del público como los que hacen comedias románticas, ficheras o videohomes, pero... ¿Quién es el "Ed Wood" mexicano?

Muchos dicen que la respuesta es Juan Orol, el artista español que ha sido el blanco de un sin fin de criticas alrededor de los años. Debo decir algo antes de continuar, no creo que los cineastas mencionados sean todos malos. Ed Wood hace excelentes filmes, Ulli Lommel también y Uwe Boll (quien ha hecho muchas malas cintas) tiene un par que son buenas. Lo que ocurre es que muchas veces estos directores son malinterpretados cuando su trabajo es llevado a grandes masas. Después de todo, cuando Ed Wood hacía películas el termino "psicotrónico" no existía y el cine irónico de corte "trash" no era un concepto en la cabeza de ningún critico o miembro del público. Muchas veces un "director odiado" solo fue incomprendido. Juan Orol también puede caer en esa definición, aunque no en el mismo nivel de Wood o de Lommel, Orol se encuentra en un área diferente.

A diferencia de Wood o de Lommel, Orol no tiene demasiadas pretensiones artísticas. Wood hacía guiones subversivos que cuestionaban alocadamente cualquier tipo de lógica o preconcepción convencional sobre el cine o la vida. Ni hablar de Lommel, el compañero del gran Rainer Werner Fassbinder y miembro también del movimiento conocido como El nuevo cine alemán. Orol era más... ingenuo, me falta el término ideal para describirlo. El cine Oroliano se caracteriza por intentar hacer una historia comercial de la manera más barata y rápida posible, sin importar si se ve descuidada. Se le ha llamado el surrealista involuntario por los gratuitos momentos extraños dentro de sus cintas. Dejando de lado que el término no aplica demasiado bien al cineasta, se podría considerar esta como una simplificación ignorante de sus películas, pues Orol no es ajeno al subtexto, ni a las temáticas ricas que se desarrollan sutilmente debajo de una trama superficial y su cine tampoco se descuida en el apartado del lenguaje cinematográfico. Si Orol es descuidado, lo es en frivolidades solamente, pues si hablamos de sus historias y expresión cinematográfica, es bastante sólido la mayor parte del tiempo. No es increíblemente complejo ni demasiado profundo, pero es ameno y admirable. 

Juan Rogelio García García nació en españa en 1897. Su infancia fue dura, sus padres lo querían fuera de su vida y el joven Orol fue enviado a cuba donde estuvo trabajando en los barrios bajos junto a personas de origen africano quienes lo adentraron al mundo del baile. Pronto el muchacho se vio ejerciendo varios oficios como el de boxeador, jugador de béisbol, mecánico, piloto de carreras, periodista, actor de teatro, torero y agente de la policía. Aunque nada de esto ha sido confirmado, se puede inferir que si tuvo algunos de esos trabajos, pues sus filmes tocarían más de uno de esos temas. 

Orol se adentra al mundo del cine como director artístico y publicista a finales de los veintes y principios de los treintas. También tuvo su primer acercamiento a la dirección como codirector en la película silente El sendero gris (1927). Después de ganar dinero en esos puestos fundó Aspa Films de México y participa en la película Sagrario (1933) con un argumento de Quirico Michelena y bajo la dirección de Ramón Peón (El director de la primera película de terror mexicana: La llorona). En Sagrario, Orol solo tiene un papel a cuadro y es el gerente de producción. La cinta resultó ser un éxito en taquilla. 

Juan Orol tiene un papel de secundario en esta película imposible de ver en estos tiempos.

La actriz Consuelo Moreno, quien se encontraba en el reparto de Sagrario, se convertiría en esposa de Orol, lo que la convierte en su primera musa, el director posteriormente tendría varias más en su carrera como Rosa Carmina, María Antonieta Pons y demás. Se dice que estas mujeres solo lo usaban para avanzar su carrera y que él solo las tenía como juguetes, después las cambiaba por otra cuando ambos se aburrían uno del otro, pero hasta ahora son solo rumores. 

No contento con ser solamente un actor o por quedarse en un puesto menos creativo como gerente de producción, Orol escribe su primer guion que después sería llevado a la pantalla por Peón bajo el nombre de Mujeres sin alma (1934). El filme fue un fracaso. Lo que rompe los lazos entre Peón y Orol, se podría decir que dejó a su maestro para tener éxito de manera independiente. En 1935, Orol se sienta en la silla del director (ahora sin compartir crédito) y filma Madre querida, con un guion también realizado por el mismísimo Orol que contiene la tragedia y el melodrama que lo caracteriza. 

La primera película de Orol como director independiente, tiene un remake homónimo de 1951.

Madre querida es ahora un filme muy difícil de encontrar, no se encuentran copias en línea y tampoco se puede ver en alguna plataforma. La única forma de ver la ópera prima de Orol es esperando a que un canal de cable logre transmitirla, si tienes suerte. De hecho, esa es una de las pocas maneras en las que uno puede encontrar muchas de sus obras, por medio de transmisiones viejas de televisión (y de mala calidad) que fueron subidas a internet, aunque la mayor parte de su trabajo es casi inaccesible al público. Esta falta de exposición ha hecho que su nombre se pierda alrededor de los años, a diferencia de las películas de Santo, Blue Demon, Taboada o de otras figuras mexicanas de culto que han gozado de cierta popularidad. Orol ha sobrevivido mayormente por el legado que dejó en el cine, por la leyenda pura del director más controversial y despreocupado de México pero a la vez el que más pudo satisfacer al público.

A partir de Madre querida, Orol se encontraría añadiendo más melodramas de bajo presupuesto del mismo calibre a su prolífica carrera. Usualmente intercambiando la temática, en vez de maternidad a veces tienes un amor no correspondido, a veces trata sobre el crimen organizado y demás. Usualmente se inspiraba por historietas o fotonovelas que eran populares en su tiempo, incluso adaptó algunas de ellas a la pantalla como a la excelente Zonga, el ángel diabólico o la trilogía Percal de José G. Cruz. Curiosamente, a Orol se le recuerda más por ser el "Rey del cine negro", un titulo más apto para el artista, debido a que sus cintas mejor valoradas y famosas son filmes cutres de mafiosos como Gángsters contra charros o El reino de los gángsters. Dos largometrajes dignos de pertenecer al género y que al mismo tiempo presentaban a su personaje más famoso: Johnny Carmenta.

El "Plan 9" de Juan Orol.

Crimen urbano, pobreza, miseria, paternidad, amor, rumberas, bailes estrafalarios, islas del caribe, planos estáticos, largas conversaciones llenas de diálogos simples pero utilitarios, valores de producción limitados y muerte trágica, son solo algunos de los elementos que se pueden esperar de una cinta de Orol. Rara vez decepciona en entregarnos una experiencia inolvidable y pintoresca. No puedes confundir un filme de Orol con el de ningún otro, mayormente porque no tiene el dinero para las herramientas que se ven en otras producciones hechas por casas productoras más prestigiosas, pero aún así el punto se mantiene.

Personalmente, mi descubrimiento de Orol fue realmente casual, había escuchado su nombre de vez en cuando, aunque el primer encuentro directo con la leyenda fue en la escena inicial de El fantástico mundo de Juan Orol (2012) cuando era transmitida por TV en el canal de Cine Mexicano. En ese momento, el Juan Orol de la película (interpretado por Roberto Sosa) dijo algo como "Antes a mis películas les decían churros, ahora son de culto." mi madre, quien estaba en la sala conmigo, dijo "Es cierto, Juan Orol es un director de culto mexicano." o algo parecido, y eso fue todo. Eventualmente le cambié al canal porque incluso en mi adolescencia encontraba a las películas de Sebastián del Amo infumables.

Con el pasar de los años, mi primera incursión dentro del cine de Juan Orol fue menos que ideal. Gángsters contra charros fue mi primera película Oroliana, no es la mejor para empezar pero fue la introducción de muchos por varias razones, la primera es que es la más popular y reconocida, la segunda razón es que por mucho tiempo fue la única película de Orol que se puede encontrar en internet fácilmente. Una copia de baja calidad sacada de una transmisión de Canal 22 hace más de 7 años. A pesar de que es una muy mala versión, el filme pudo cautivarme. Algo impresionante porque no se supone que debería de empezar con la tercera parte de una trilogía. El reino de los gángsters y El charro del arrabal eran las primeras dos que establecían a los personajes y a los dos bandos que se ven en Gángsters contra charros, aunque gran parte de la audiencia ignora esa parte de todos modos. 

Juan Orol y Rosa Carmina.

Inicialmente no fui fan de Gángsters contra charros, solo pensé que era irrelevante o insulsa, pero por alguna razón no podía dejar de pensar en ella, en su atmosfera, sus personajes, la yuxtaposición entre los charros mexicanos y los gángsters, la actuación de Orol, sus maravillosas escenas y su increíble final que eventualmente se convertiría en un clásico, todo eso me hacía preguntarme: ¿Qué más puede ofrecerme Orol? 

Después de eso, la curiosidad me obligó a buscar más de sus obras solo para ver que tan extrañas o despampanantes podrían llegar a ser. Creo que la segunda pudo haber sido Una mujer de Oriente (¿1946?-¿1950?), después Bajo la influencia del miedo (1956) y así hasta el día de hoy, con el tiempo me convertí en un gran fanático.

Ciertamente el cine de Orol es peculiar, pero no tiene muchos fans alrededor del mundo, al menos no al nivel de los luchadores o de los Almada. Uno puede argumentar que el cine de Orol murió en el tiempo de auge de estos, y eso sería verdad. El cine Oroliano no tiene vampiros, científicos locos, monstruos del espacio, superhéroes enmascarados, balaceras hollywoodenses ni mucho menos desnudos. Al no tener elementos de cine fantástico ni de género, la única fanbase que puede recordar a Orol son los adeptos al cine de rumberas o del noir mexicano. Para los 60s, los presupuestos de Juan eran más pobres que nunca y después de El fantástico mundo de los hippies en 1972, Orol se tomó un largo descanso solo para volver a dirigir su canto del cisne que fue El tren de la muerte en 1979 con Julio Alemán. Después tendría cameos ocasionales en películas de sus amigos pero nunca volvería a dirigir, murió a la edad de 90 en 1988. No sin antes dejar todo un legado cinematográfico.

Se aclama a Orol por ser quien popularizó el cine negro en México, por ser quien trajo al país a las artistas rumberas como Rosa Carmina o María Antonieta Pons y por hacer películas pequeñas con recursos mínimos. Trabajó con artistas como Ramón Peón, Arturo Martínez, James L. Fields y José G. Cruz y una plétora de actores de renombre. Su nombre jamás será olvidado y es por eso que pienso inaugurar esta sección.

Jueves de Juan Orol será bastante constante, al menos en lo que se pueda. Se intentará publicar algo relacionado con Juan Orol todos los jueves en los que sea posible, puede ser una reseña, un post sobre un actor, afiches, datos de interés, películas relacionadas, pensamientos sobre su cine, lo que sea. 

Terminando la introducción, inauguro esta sección que va a honorar al rey del cine negro en México, el único e inigualable: Juan Orol. 

Scream of the Blind Dead (2021) |Reseña

Después de algunos años, tenemos una nueva entrada a la saga de los templarios ciegos, saga de terror que inició en 1972 con La noche del terror ciego de Amando de Ossorio, quien a su vez dirigió las tres secuelas posteriores: El Ataque de los muertos sin ojos, El buque maldito y La noche de las gaviotas. Obras que se volvieron de culto y tuvieron varios fanáticos alrededor del mundo por ser distribuidas en VHS, televisión y en Drive-Ins o Grindhouses.

La primera película de la excelente saga de los templarios ciegos.

En el 2019 se estrenó Curse of the Blind Dead, una nueva adición italiana a la franquicia pero fue muy mal recibida por fans y por críticos, quienes argumentaban que la película olvidaba todo lo que hizo buenas e indistinguibles a las originales de Amando. Esa producción europea fue olvidada al poco tiempo pero Full Moon estrenó una nueva entrada a la saga en el 2021 que tiene por título Scream of the Blind Dead. El productor Charles Band contrató a Chris Alexander, el editor de las revistas Fangoria y Delirium, para crear una nueva experiencia de horror con los muertos ciegos.  

La nueva "templaria ciega"

Afortunadamente, la nueva película de los caballeros templarios es fiel a las originales, en el sentido de que finalmente tenemos una nueva cinta de la serie que se enfoca en crear una atmosfera de terror en vez de conformarse con maneras tradicionales de hacer terror. De hecho, no hay una trama como tal, es tan surreal y carente de explicación que te obliga a encontrarle sentido por medio de sus visuales y el poco dialogo que tiene. Es más similar a las meditaciones audiovisuales que ha hecho el director con anterioridad que otra cosa.

Hablando del director, Chris Alexander (además de trabajar para revistas de cine fantástico) es conocido por películas similares a Scream of the Blind Dead, hizo películas como Female Vampire, Space Vampire, Queen of Blood y Blood Dynasty. También dirigió Necropolis: Legion (Remake de Necropolis de 1986) para Charles Band y que también se encuentra en la plataforma de Full Moon. La mayoría de sus cintas son experiencias abstractas y experimentales con elementos del cine de género hechas con micro-presupuestos. 

La cinta es básicamente un remake modernizado de la primera mitad de la primera película de los templarios, presentado a una mujer llamada Virginia recorriendo paisajes desolados, solo para ser acechada por un templario ciego, pero no cualquier templario ciego, un templario ciego femenino que busca sangre. 

Scream of the Blind Dead se acomoda perfectamente en el catálogo de filmes estrafalarios sin presupuesto de Chris. Dejando de lado cualquier noción convencional que podemos esperar del terror moderno, incluso de Full Moon. Por eso mismo, no creo que las audiencias acostumbradas a algo más "normal" puedan digerirla. Esta película se asemeja a obras del cine underground psicotrónico que incluso puede dejar atónito al fan de la serie B más experimentado.  

Al no tener una historia, al estar hecha de manera casi improvisada y por carecer de muchos recursos, es posible que ni siquiera los fans de las películas originales puedan disfrutarla. Ciertamente es un tributo gigante a las obras míticas de Jean Rollin o Jess Franco, cuyos trabajos eran el equivalente cinematográfico a un poema sinfónico o a una "Jam session" en el Jazz. Alexander sigue los pasos de estos maestros, utilizando un lenguaje cinematográfico particular para despertar sensaciones y emociones al espectador, empleando elementos del terror fantástico para sus fines, cuya interpretación final puede dejarse al criterio de quien lo vea.

Aún así, si se trata del terror moderno esta obra es una de las más interesantes del año. No obstante, las audiencias pueden verla como pretenciosa o extraña, dejando en claro que no es para todos. Recomendada SOLAMENTE para los adeptos al cine experimental digital con aspectos de cine de género. El resto puede no encontrarla entretenida o interesante, en especial si se busca algo más tradicional. Aunque quien sabe, tal vez los fans de las originales si puedan entenderla y admirarla, pues ha estado teniendo buen recibimiento por parte del publico que degusta del terror europeo de culto o serie B.

Por mi parte puedo decir que fue una buena experiencia y una apreciable adición al terror psicotrónico por parte de Full Moon y de Chris. Estaré buscando más de sus películas y esperando ansiosamente sus próximos proyectos. Me gusta la manera en la que Full Moon ha estado haciendo secuelas o remakes, en caso de que sean diferentes entonces se convierten en algo completamente irreconocible pero que puede coexistir con la primera de manera independiente. Sin embargo, si son similares, entonces le dan el proyecto a la persona indicada que puede ser fiel al concepto original y que al mismo tiempo vuelve suyo al filme experimentando, aunque sin traicionar a lo que vino antes, como lo fue en esta ocasión. Lo opuesto de Hollywood.

               

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   Ficha en Letterboxd

Nueva película de Full Moon y nuevo set en Blu-Ray de Andy milligan.

 El terror cutre nunca muere. No hay mejor prueba de eso que algunas de las noticias más grandes del mes. Aquí les traemos dos noticias interesantes sobre nuevos lanzamientos de películas (ya sea nuevas o antiguas) con bajo presupuesto. 

MISKATONIC U: THE RESONATOR (2021)

Este año seremos testigos de una nueva película de Lovecraft de la mano de Charles Band, quien anteriormente nos trajo algunas de las mejores junto a Stuart Gordon siendo estas Reanimador (1984) y From Beyond (1986). Ahora, años después de que estos proyectos se convirtieran en clásicos de culto, Full Moon nos brinda una secuela espiritual a estas producciones tan estrafalarias. 

El cast estará conformado por nuevas estrellas además de algunos veteranos en el género como Michael Pare (Streets of  Fire), Amanda Wyss (Pesadilla en la calle del infierno) y Jeffrey Byron (Dungeonmaster, también producción de Band).

La cinta tratará sobre Crawford Tillinghast, estudiante de Miskatonic University, quien ha construido una máquina conocida como "El Resonador", la cual tiene la capacidad de hacerlo experimentar diferentes dimensiones a través de los ojos de criaturas horripilantes. Todo se complica cuando Crawdord se da cuenta de que se han soltado estas bestias en su dimensión y que su realidad se ve afectada por la máquina.

Tomando diversos elementos de Lovecraft y haciendo tributo a los filmes pasados de Band junto Gordon, Miskatonic U se ve como una cinta imperdible para los fanáticos de hueso colorado de la compañía productora.

En estos tiempos, Band ha tenido problemas con el financiamiento de sus proyectos, y a pesar de que este se ve como un filme bastante más grande que los cutreríos de la era moderna de Full Moon, sin dudas tendrá un presupuesto muy bajo. Aunque lo más probable es que tenga el mismo encanto y carisma que podemos esperar de ellos. 

Teniendo en cuenta que estrenaron Corona Zombies y Blade: The Iron Cross el año pasado, Full Moon parece no tener descanso, siempre atentos a las nuevas modas y al mismo tiempo esforzándose por crear nuevas películas que proponen bastante y se ven mucho más interesantes que los estrenos de grandes compañías. 

La película tuvo un Videozone (detrás de cámaras) en vivo que se encuentra disponible en la plataforma de Full Moon de Streaming. Mismo lugar en donde se estrenará esta película el próximo 26 de febrero del 2021. 

Trailer: 

              

THE DUNGEON OF ANDY MILLIGAN COLLECTION

Andy Milligan es un nombre bastante polémico en el mundo del cine de terror. A veces amado, pero mayormente odiado por críticos y fans del cine de género. Las películas de este autor eran menospreciadas e insultadas por sus presupuestos microscópicos, defectos técnicos, irregularidades, tramas absurdas y por ser explotación sórdida. Se ha dicho que sus fans no tienen salvación ni buen gusto, que sus películas eran de las peores, incluso el mismo Stephen King se refirió a una de sus películas como "El producto de idiotas con cámaras", el asunto es que por mucho tiempo, no hubo quien se atreviera a defenderlo. 

El creador de películas como The Ghastly Ones, Monstruosity, Guru the mad monk, Bloodthristy Butchers, Blood, Surgikill y muchas otras más, sin dudas no fue aclamado por gran parte de su carrera. Tocaba temas como la desintegración de la familia, la sexualidad y la homosexualidad. El director misántropo exploraba con gracia y poca sofisticación temas relevantes para el movimiento underground. 

A pesar de lo que muchos dicen de Milligan, lo cierto es que era un cineasta inigualable y que sus obras han cautivado a varios, incluso al mismísimo Andy Warhol, pues a pesar de que el público del terror no lo alabara, Milligan encontró cierta audiencia y admiración en círculos de cine experimental y abstracto, haciendo varias películas para ese ambiente, pues de ahí es de donde venía originalmente.

Para saber más sobre su trabajo, recomiendo leer Gutter Auteur: The Films of Andy Milligan (por Rob Craig) este libro, como muchos otros del autor, disecciona y analiza a profundidad el trabajo de Milligan y sus intenciones para crear su arte.

Es posible que debido a esta reevaluación relativamente reciente, nuestros amigos de Severin Films han decidido compilar varios de sus trabajos de la época más famosa de este director. 

Este nuevo box set nos trae estos filmes en calidad esplendorosa, con comentarios de otros cineastas, autores o gente involucrada, además de que se han descubierto ciertos extras que se creían perdidos o difíciles de encontrar.  Justo como lo hicieron en el box set de Al Adamson, el cual tuve la fortuna de de comprar el año pasado y debo decir que sin dudas son las versiones definitivas de este tipo de películas, no se puede encontrar una compilación o edición más completa de ver estas rarezas. 

Películas incluidas: 

Disco 1: The Ghastly Ones

Disco 2: The Body Beneath / Nightbirds

Disco 3: Torture Dungeon / Bloodthirsty Butchers

Disco 4: The Curse of the Full Moon / The Rats are Coming! The Werewolves are Here!

Disco 5: Man With Two Heads / Guru, the Mad Monk

Disco 6: Legacy of Blood / Legacy of Horror 

Disco 7: Fleshpot on 42nd Street / Seeds

Disco 8: Carnage / Blood

Disco 9: The Bearded Lady’s Wake CD – Música electrónica por el colaborador de Milligan: Hal Borske

Fue una gran idea la de Severin hacer este box set, pues han recuperado las versiones originales sin censura de las películas, así como trailers o clips nunca antes vistos de Milligan. Por supuesto, también incluye versiones alternativas y otros extras que nos dan horas de entretenimiento. 

Todo esto a un módico precio de $140.00 dólares, claro, considerando el material y el estado de gran calidad en el que se encuentra, esto vale la pena. No me lo voy a perder. El box set está ahora disponible para ser apartado (Tenían un bundle con baratijas y artículos de colección pero se han agotado) y será enviado el 16 de Marzo de este año a todos los compradores. 

Personalmente, quiero esperarme un poco, debido a que anteriormente hubo algunos problemas menores con el set de Al Adamson y no quiero exponerme a tener que pedir un disco de reemplazo o algo por el estilo, es algo común si se trata de box sets pues también hubo asuntos con el de Viernes 13 del año pasado, pero si te interesa el material creo que será una compra satisfactoria. 

Al fin podremos ver las cintas de Andy en buena calidad y en sus versiones completas!

Link para apartar

Trailer del box set: 

              

Mrs. Claus (2018) La matanza de la señora Claus |Reseña

¿Que buscamos en un slasher?, bueno, usualmente gore, asesinatos violentos, personajes interesantes, un asesino memorable y una trama cautivante. Pues déjenme decirles que en esta ocasión les traigo un slasher bastante satisfactorio de navidad de la era moderna. 

Los reyes del schlock moderno

La compañía distribuidora Wild Eye Releasing nos ha entregado títulos como Ouija Shark, Creature from Cannibal Creek, Shark Exorcist y Bigfoot vs Zombies. Todas cintas de ultra bajo presupuesto, más apegadas a la clase z y con nombres extravagantes. Desde el 2008 nos han brindado gran cantidad de largometrajes cutres que deleitarán a más de un amante de lo bizarro. Ellos son los que han puesto en el mercado a Mrs. Claus del 2018, una película de terror que toma ideas de obras clásicas del terror navideño como Silent Night, Deadly Night y Black Christmas.  

Originalmente titulada "Stirring"

Mrs. Claus (2018)

Director: Troy Escamilla

Guionista: Troy Escamilla

Producción: Troy Escamilla, Robert Cox, Omar Parker, Derek Huey.

Reparto: Helene Udy, Brinke Stevens, Kaylee Williams, Daiane Azura, Ryan Poole, Mel Heflin, Jantel Hope.

Sinopsis: La cinta se desarrolla como un filme de venganza bastante familiar. Nos muestra a un grupo de universitarios festejando la navidad en una casa de fraternidad, donde años antes ocurrió un desafortunado accidente que culminó en la muerte de dos chicas. Ahora, sin una explicación aparente, aparecen cuerpos mutilados alrededor del área, hay gente desaparecida y todo apunta a que hay un asesino serial masacrando estudiantes. ¿Quien es el asesino? ¿Será el tipo que odia las fraternidades? ¿Será la madre de la niña que fue victima de acoso años antes? 

Deben de verlo para creerlo.

La señora Claus no está feliz

Sin mucha prisa puedo decir que tiene fallos que alejarán a un público general que busca algo más procesado y con grandes valores de producción. Este es un filme barato y muy cutre. Toma lugar en pocas locaciones y contiene actuaciones algo cuestionables, el reparto no es de lo mejor, pero no son los peores actores que se pueden encontrar, simplemente dan ese sentimiento de actor de teatro barato que busca salir en películas. Aunque tampoco les dan mucho que hacer con sus personajes, muchos de estos son algo clichés, tenemos a los jóvenes alocados que buscan drogarse o emborracharse, la chica conservadora que es algo mojigata y hasta las populares que molestan a los otros estudiantes. No hay gran variedad, aunque trata de tenerla, esto se puede ver en un momento gracioso donde una chica de color habla íntimamente con un chico, solo para darse cuenta de que este es gay. Fue algo extraño, pero no tanto como cuando este le dice "Tal vez no podemos salir, pero te invito a mi podcast cuando quieras", tiene diálogos humorísticos de esa naturaleza. 

Su ritmo es algo acelerado, no se pone molesto al tratar de darnos una historia complicada, se nos presenta un prologo que nos da el contexto necesario, después seguimos con la historia, es simple: Un asesino machaca muchachos, y honestamente, lo hace bastante bien. Siempre hay algo interesante en pantalla, intenta mostrar un asesinato de manera frecuente para estimular a su audiencia.

Debo decir que el gore es algo bueno para ser de tan bajo presupuesto. La sangre abunda en este filme cutre, con muertes grotescas y ejecutadas decentemente. Si te gusta el gore, esta te dará suficiente. No tiene un momento verdaderamente notable, casi todas las muertes son de rutina: apuñaladas, cuellos cortados, machetazos a la cara, ya saben, lo normal. 

El asesino es del tipo silencioso, el misterio está en saber quien podría estar detrás de la máscara, y honestamente no es para nada difícil de averiguar. Sin embargo, el giro que da al final es sorprendente en verdad, y se aprecia mucho la participación de la Scream Queen Brinke Stevens, quien hace un trabajo formidable como una oficial de policía que investiga las desapariciones, incluso si es un papel pequeño.

En conclusión, puedo decir que es una buena cinta de explotación del 2018, un tanto rutinaria pero si te gustan los slashers esto no debe de ser un problema. Con bastante gore para ser disfrutada por adeptos a esta clase de obras. Nada especial, pero divierte. 

La película fue escrita y dirigida por Troy Escamilla, quien anteriormente había hecho otro slasher llamado Party Night (2017), no fue la gran cosa pero con la película de la que hablé en esta entrada creo que se ha superado, su nueva película tiene buenas reseñas y le deseo mucho éxito en sus futuras producciones. 

Lista de las "peores" películas Mexicanas según audiencias: Parte 1 - Los años 50s

Saludos, fanáticos del cine psicotrónico.

En esta sección nos dedicaremos a recopilar algunos de los largometrajes mexicanos que no son bien recibidos por el publico. Son considerados como de una calidad menor a comparación de otras producciones y reciben criticas malas por parte de audiencias y críticos especializados. 

Claro que esto no significa que las películas sean realmente malas, si no que no fueron del agrado de las audiencias generales y por ende tienen calificaciones muy bajas en bases de datos o páginas de cine. 

Se recopilarán las obras que tengan una cantidad significativa de votos negativos en IMDB, usualmente menor a 4,1 y se consideren las más relevantes (pues añadir entradas con pocas votaciones es injusto). Es solamente un breve repaso con la información que se tiene de la obra, incluso por más nula que sea.

En esta edición le daremos un vistazo a las películas peor recibidas de los años cincuentas solamente: 

Quiéreme con música (1957)

Esta co-producción ente México y España fue dirigida por Ignacio F. Iquino (director español) y trataba sobre un vividor que engañaba a las mujeres con sus mentiras. Las consecuencias las paga el día que decide casarse, cuando una novia a la que dejó plantada en el altar se presenta con la intención de vengarse de él.

El pantano de las ánimas (1957)

Segunda película protagonizada por Gastón Santos bajo la dirección de Rafael Baledón. El filme nos muestra a Gastón investigando la desaparición de un cadáver, lo que lo lleva a enfrentarse a un monstruoso animal que habita en una laguna. 

La película tuvo malas criticas por sus efectos malos de bajo presupuesto y su trama tan poco ambiciosa, además de que no presentaba a un monstruo verdadero, si no que la criatura era un hombre disfrazado simplemente. Actualmente es transmitida en televisión por ocasiones. 

La maldición de la momia azteca (1957)

Mientras que la primera película de la momia azteca fue amada por muchos fanáticos del terror, las secuelas bajaron de calidad considerablemente y fueron duramente criticadas. La maldición de la momia azteca intentaba incorporar a un luchador a su trama de una manera bastante forzada y poco agraciada. El uso excesivo de metraje reciclado de la primera película fue otro factor que lastimó mucho la percepción publica del filme. 

Ahora se le considera como una secuela inferior a la original pero no tan infame como la tercera parte. La cinta se puede ver ocasionalmente en televisión y en internet. 

Yambaó (1957)

Esta cinta peculiar toma lugar en Cuba, donde una mujer indígena realiza un hechizo de amor sobre el ingenuo dueño de una plantación del siglo XIX. Este melodrama mexicano-cubano fue dirigido por Alfredo B. Crevenna y tiene un recibimiento relativamente mixto.

Se estrenó en Estados Unidos bajo el título Cry of the Bewitched, y se le considera como una entrega notable del cine de rumberas y que toca temas como la brujería, la esclavitud y la explotación. Fue presentada en Rifftrax (Sucesor espiritual de MST3K), debido a esto, usuarios americanos se dedicaron a calificarla de manera negativa. Se le critica por tener una dirección pobre, números musicales poco memorables y una historia derivativa e insulsa.

La momia azteca contra el robot humano (1957)

En esta tercera entrega de la saga de "la momia azteca" el malvado Dr. Krupp atenta contra nuestros protagonistas creando un robot humano al cual usará para sus viles fechorías, esto culminará en un enfrentamiento entre el robot y el muerto viviente de descendencia azteca. 

Se le considera como una de las peores películas de ciencia ficción del país, reusando metraje de las cintas pasadas por casi tres cuartos de su duración, con efectos especiales poco convincentes y una trama absurda. Fue presentada en el programa "MST3K" y debido a esto tiene cierta popularidad entre el público estadounidense quienes la califican arbitrariamente de una manera negativa solo por aparecer en el programa. 

Muertos de miedo (1958)

Una de las tantas películas con el dúo humorístico Viruta y Capulina, esta vez trabajando como conserjes para una agencia de detectives y posteriormente son contratados para un caso bastante peculiar. 

Las comedias de Viruta y Capulina a veces eran criticadas por sus tramas ridículas, personajes secundarios planos, y por su humor bastante blanco y simplón. Además de que la cinta no tiene mucho que ver con el terror ni con los fantasmas, algo muy diferente a lo que uno podría esperar por sus afiches y publicidad.

Santa Claus (1959) 

Santa Claus de 1959 fue dirigida por René Cardona y se le considera en México como una de las cintas para niños más adorables y divertidas. Presenta a un Santa Claus bonachón que se dedica a repartir regalos a todos los niños del mundo en la noche de navidad, pero se verá en problemas cuando un demonio intenta arruinar sus planes.

En estados unidos el filme fue presentado en el programa Mystery Science Theater 3000, y debido a esto recibió criticas negativas por parte de usuarios anglosajones, además de esto la cinta contiene elementos considerados como extraños por parte de audiencias internacionales, lo que llevó a muchos a rechazar su propuesta y a verla como una cinta demasiado extravagante como para digerir, claro que su paupérrimo presupuesto no ayudó demasiado.  

En fin, esa es otra entrada sobre las peores películas de los años cincuentas en México. Repito que no es mi opinión personal, si no la de usuarios, es interesante recopilar las opiniones de otros. Puede que en el futuro se añadan más películas que no lograron entrar por ser poco populares.